第六批中夏族民共和国中国青少年年油乐师海外

2019-08-22 08:45 来源:未知

第六批中国中青年美术家海外研修工程成果展示

时间:2016年01月13日来源:《中国艺术报》作者:中国美术家协会

  建构美术的国际视野

  中国的老子说过:“知人者智,知己者明。”也就是说,知己知彼,缺一不可,否则,就远离了应有的智性高度。在当今变化与发展更趋迅捷的年代里,我们的“世界观”就要不断地拓宽既有视野,以了解、感悟与吸纳全人类文化的菁华。与此同时,我们自己如何看世界,以及让世界看我们的“世界观”,已经是难分难解的两个方面了。毕竟“世界观”的水平高低直接关涉我们文化的软实力,而“走出去”的目的就是要更切实地获得辨析拱璧与碔砆的能力。

  “中国中青年美术家海外研修工程”无疑是美术界看世界的一种标杆。从2009年项目启动至今,已经有不少优秀的中青年美术家以及美术史论学者经过严格选拔走出去,通过实地考察和认真思考,带回来各种各样的信息和体会,完成和出版了为数可观的研究成果。

  2014年度本工程的派出人员在考察与研究的选题上更具前沿色彩,某种程度上,也是在为当代中国美术的进一步发展所面临的一些课题与挑战作出了某种积极的回应与思考,因而特别值得称道和关注。

  通览他们的研究报告,内容上大致如次:首先,一如既往,对西方现当代艺术的观察与反思是一大重点。不过,除了对当代西方雕塑以及安塞姆·基弗这样的新表现主义艺术家展开考察与分析之外,有关欧美当代艺术体制形式的考察也令人耳目一新。例如,对奥地利、比利时著名当代艺术中心的策展方法与机制的研究,别开生面地抓住了当代艺术中心的定位问题,鲜活而又不乏深度。同样,对已经走过了半个世纪时光的巴黎国际艺术城的运营机制的调查,也在体制的层面上把握到了面对21世纪的文化拓展,搭建和管理一种具有国际化效应的艺术创作社区所遭遇的诸种新挑战。当代艺术与国际艺术城将会是一种怎样的耦合关联,无疑是一个并不轻松的实践课题。有关欧美驻馆艺术家制度的研究,其讨论的问题同样是如何透过驻馆形式实质性地资助与推动当代艺术的发展。对纽约苏荷艺术画廊区兴衰的描述与解析更是一篇深度好文,有理有据,颇具说服力。论文为我们提供了了解当代艺术的严格特殊侧面,有些内容对国内大城市类似的画廊区的兴建与管理是有直接的参照意义的。

  其次,对博物馆问题的考察与研究。有关的文本已经不是那种貌似走马观花式的游记、参观印象之类的肤浅文字,而是在大量阅读文献、实地考察、访谈相关专业人员、参与有关工作,以及展开具有专业针对性的思考之后形成的扎实成果。对美国艺术博物馆对外展览的策划与实施的分析,无疑对国内博物馆实施卓有成效、高水平的输出展览有一定的启迪。有关英国国立美术博物馆藏品预防性保护的理念及技术应用的研究,建立在作者长期关注和倾力投入的基础上,引入了一个特别有意义的课题,即如何在时间上提前获得对艺术品的保护。确实,我们与其痛苦地面对已然遭遇了不可逆的毁损的艺术品,还不如积极地采取技术主义的理性路线,将可能的毁损隐患预测、降低甚至彻底予以规避,从而让艺术品获得更为长久和完好的生命。

  第三是对艺术教育的关注。有关俄罗斯造型艺术解剖学与素描的研究,就是对一个重要教学环节的条分缕析。作者第二次进入列宾美术学院,已经是积累了教学经验和问题感的教师,所以,对结构在艺术创作中的重要性的体悟与强调就更有了一种迫切感。应该说,作者对大量优秀素描的把握以及如何实施教学等,颇有发言权。

  当然,2014年度本工程的论文并非十全十美,由于具体领域各自有异也难免水平上有一定的高低差别。不过,如果我们有一种得固不喜、失则检饬的觉悟,那么,在不远的将来,思想的磨砺、创造力的锐化、学识的提升等都会是题中之意。

  写到这里,不由得想起了明人洪应明在《菜根谭》中所云:“文章做到极处,无有他奇,只是恰好。”诚哉斯言!

  英国国立美术博物馆藏品

  预防性保护的发展和启示

  □ 戴舒濛

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  观众参观大英博物馆的保存修复工作室

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  藏品取样分析

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  监控展柜的温湿度测量仪,可时时发送数据

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  一战期间大英博物馆将藏品存储在holborn邮局地铁隧道里

  藏品预防性保护属于保存修复的范畴,它是先于治疗性保护和修复的第一步。在两次世界大战之后,人们总结经验,将科学引进美术馆、博物馆的藏品保护研究和实践中,促使预防性保护渐渐成为被国际博物馆普遍接受并迅速应用的原则和管理办法。

  进入21世纪,藏品预防性保护经济成本低、可参与性强等特点契合了当下可持续发展和文化惠民的趋势,使之逐渐发展成为一个独立完整的研究体系。

  英国在藏品预防性保护方面一直走在世界前列,通过研究他们的发展历史,并实地参与到博物馆日常保护项目中,笔者总结出主要有以下几个方面的原因:

  1.坚实的藏品保护发展传统与新兴保存科学研究的结合;

  2.非政府部门公共机构管理模式和文化惠民政策的推行;

  3.活跃的专业团体和国家标准、行业规范、指南的制定;

  4.专门的大学学位课程和与美术馆、博物馆联合培养的机制。

  我国的藏品预防性保护正处在大力发展阶段,笔者认为可从英国的经验中进行借鉴,比如多渠道的专项资金来源和国家遗产彩票基金的使用;加强国内与国外修护人员的交流和学习;多元化的预防性保护宣传与教育引导;成系统的概念诠释和灵活多样的标准参照等。

  巴黎国际艺术城

  何以成功运营50年

  □ 段泽林

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  巴黎国际艺术城一角

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  艺术城入驻卡,可以免费参观30余个巴黎市内的博物馆、美术馆

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  巴黎国际艺术城上世纪60年代主建筑建造现场图

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  中国美术家协会吕霞光工作室入驻艺术家开放画室

  巴黎塞纳河玛丽桥边,一栋大玻璃窗白色建筑格外醒目。从1965年至今,这里成为全世界艺术家在巴黎的“落脚点”——巴黎国际艺术城(Cite internationale des Arts,以下简称“艺术城”),已入驻过近2万名视觉和音乐艺术家。艺术城,在法国外交部、文化部、巴黎市政府的管辖下,由布鲁诺基金会统筹全面工作。目前,在艺术城认购工作室最多的国家是德国、瑞士,中国位列第三,共16间。中国认购的工作室中最早的是1984年开始入驻艺术家的中国美术家协会吕霞光工作室。截至2014年8月底,吕霞光工作室已入驻超过150余位中国艺术家,哈孜·艾买提、冯法祀、鲍加、刘秉江等知名艺术家的名字赫然在列。

  2015年,恰逢巴黎国际艺术城正式运营50周年。认购工作室、选派艺术家的运营模式保证了其长时间的平稳可持续发展。巴黎国际艺术城的成功经验包括:一个好的艺术驻留机构要有一个地理位置优越的驻留场所;不断变化中的功能定位;包容多元的文化氛围;遍布世界的沟通网络,身份背景各异的艺术家群落;良好的外部文化环境,政府对文化实质性支持。

  如今,距离中国美术家协会吕霞光工作室正式揭幕也已30余年。艺术城还是那个艺术城,但在中国艺术家的心中,它的功能与价值已发生很大变化。但无论如何,巴黎市中心16间工作室,如此宝贵的资源值得我们更好地开发利用,它们所蕴含的价值与可能性远超现在所发挥的作用。

  美学葬礼后的新生:

  “新表现主义”的历史根源与价值重塑

  ——以安塞姆·基弗为例

□ 樊 林

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  欧洲 安塞姆·基弗

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  罂粟和记忆 安塞姆·基弗

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  世界智慧之径——赫尔曼之战

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  安塞姆·基弗

  冬季风景 安塞姆·基弗

  以安塞姆·基弗所代表的否定性为核心,梳理基弗作品与其所根植的德国历史、文化和神话两块基石——18世纪以来紧密相连的浪漫主义精神与森林文化之间的关系,在文字、图式语言中找寻到相关材料。通过对基弗自1969年开始的创作,在语境、动机、方式、社会影响的讨论,呈现作品所蕴藏的历史、神话、宗教、传说,以突显其作品颠覆性的视觉效果真实源起;由此也引出基弗数十年所有作品的核心:传统的葬礼与美学的新生。

  通过剖析基弗在运用隐喻、材料语言、叙事方式的独特性,讨论“新表现主义”究竟在如何复杂的艺术状态中出现、被定义,以及被批评家展开关注与讨论。笔者结合史料,挖掘“新表现主义”在文化结构中所处的位置,所承担的德国文化价值的重现、重塑使命;进而引出对新一代德国新表现主义艺术家的观察,结合对丹尼尔·里希特近期涉猎挖掘当代历史、对于恐怖袭击和柏林墙倒塌后的挑战的创作进行分析,呈现出其思想、内在结构与基弗一代艺术家之间的隐约线索。同时,笔者也获得了公共艺术创作中关于历史问题处理的一些新思考,比如“去叙事化”的方法;这一部分的思考,在目前的学术观察中属于新的角度。

  漫谈俄罗斯造型艺术解剖学与素描

  □ 李学斌

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  人体素描 布留洛夫

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  人体素描 谢洛夫

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  列宾美院教授库尔果夫在指导作者的素描作品

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  天问 李学斌

  解剖学是分析理解人体各结构形态的依据和基础。艺术家通过解剖知识能够更加科学地表达人体的本质、感受艺术的魅力。任何一位造型艺术大师都非常重视解剖学的实践研究,并且由此获益匪浅。

  俄罗斯造型艺术解剖学与素描非常注重“记忆画法”的训练,记忆与表象画法贯穿整个素描教学过程,同时对素描技法与风格的追求,契斯恰科夫都给予了精辟论述,从而形成了俄罗斯素描的核心要素。素描的优异表现在绘画的便捷和直觉,看似简单却能深刻,是最先切入艺术创新性思维探索的手段,一直被艺术家所重视。

  在我国,对契斯恰科夫教学体系不同程度上出现了误读和异化,基本上没有传播和继承到真正的契斯恰科夫素描教学体系,学术界曾经批判这一体系的原因很多,但从学术深入研究角度来看显得尤为重要。实际上契斯恰科夫著名的公式:“感受-认识-掌握”,以及对绘画关键三要素:科学、智慧与自由性的论述,至今具有一定的理论指导意义。

  素描艺术以丰富的方式在不断发展,当今需要对素描教学进行创新尝试,加强对学生创新能力的培养,用历史的眼光去看待素描发展观,去演绎新的素描观;同时,需要追根溯源,不断汲取宝贵经验,运用科学方法把握客观规律。

  英国现当代雕塑发展

  对我们的启示

  □ 史钟颖

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  我-共生(生长记录) 史钟颖

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  共生 史钟颖

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  轮回(局部) 史钟颖

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  欲舍 史钟颖

  21世纪生态环境问题已成为全球关注的话题,与公共环境密切相关的雕塑专业是其中的重要组成部分。世界艺术史中,英国现当代雕塑占有重要地位,并处于国际最前沿。英国现当代雕塑是如何达到如此高峰的,我们能从中获得什么启示呢?

  通过对英国境内雕塑三个月的实地考察,笔者了解了英国雕塑在历史上的生态化演进过程,这对今后雕塑创作有很大启发。如今丰富的公共雕塑生态系统在英国不但使人们的生活更加精彩,还成为助推生态绿色新经济的重要因素。在英国这个当今的文化创意产业大国,雕塑除了帮助英国塑造了很好的文化形象外,还因促进了旅游产业而带动了一系列经济发展。他山之石可以攻玉,但英国有他自己的文化历史背景,我们不可能完全照搬他们的现成模式。同时,几位英国现当代雕塑大师向古代和东方文明学习的经历,也可使我们建立自信并从中获得启示。所以在全球化大的背景下,我们既要有世界的眼光,还要有中国的立场。

  “生态意识”可以说是中国传统文化中的核心价值观。有生命的“活物”作为雕塑材料的运用不但体现了中国传统艺术精神对“生”的重视以及当代普世的生态观,还可成为独特的艺术创新点。回国后,笔者创作的生态雕塑装置作品《欲舍》在之前系列作品的基础上有了很大进展。

  当代艺术中心的定位研究

  ——奥地利、比利时著名当代艺术中心的策展方法与机制研究

  □ 孙炜炜

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  公众在参与控制电子中心的灯光作品

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  L’iselp视觉艺术高等研究院的展览:Patrick Guns“不要当代艺术”

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  笔者对L’iselp视觉艺术高等研究院策展人进行访谈

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  L’iselp视觉艺术高等研究院的讲座有很多老人来参加

  2014年7月初至9月底,笔者有幸前往奥地利与比利时进行研修,对奥地利林兹的电子艺术中心,以及比利时的BOZAR艺术中心、L’iselp视觉艺术高等研究院、WIELS当代艺术中心进行了调研与交流。通过与艺术中心的负责人、策展人、艺术家以及公众进行的一系列深度访谈,笔者对这些著名艺术中心的策展方法和运作机制有了较深入的了解,对如何给当代艺术中心进行定位有了以下认识:

  一、要建立一个合格的、当代性的艺术中心,首先要明确艺术中心与传统美术馆、画廊的文化使命不同:艺术中心应具有“为公众服务”的文化使命。

  二、一个优秀的艺术中心必须有以下两个基本属性。第一,多功能性:不仅是一个展示作品的场地,还应具有研究、教育、艺术实践等功能;第二,文化使命感:不仅面对精英阶层,还应以让公众参与艺术为目标。

  三、鉴别艺术中心的工作是否成功,就要观察其长远影响,主要体现在两方面:第一,成功的艺术中心应起到引领一片地区艺术生态的作用;第二,成功的艺术中心应对当地社会的文化形象、教育体制乃至社会结构有促进作用。

  四、艺术中心的资金结构对其性质有决定性影响:政府资助是欧洲艺术中心的主要收入来源。而中国的当代艺术中心则普遍靠民营企业经营,这是这些中心常常不能与商业脱钩、不能以“为人民服务”为首要使命的重要原因之一。借鉴这些经验,期盼我国正在蓬勃发展的当代艺术中心能逐渐找到合适的定位。

  从感官走向体验

  ——对欧洲当代风景绘画的考察与思考

  □ 谢 青

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  静静的布洛涅 谢 青

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  秋香 谢 青

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  创作场景

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  气清百花新 谢 青

  当代西方绘画早已不再按照表现内容来划分。风景从主题变为主体,又从主体变为载体。抽象绘画的发展,使得风景图像受到了极大的冲击,表现题材很难用来区分画家的风格、流派。

  欧洲当前的具象绘画并非是对传统的回归,而是借助可视的图像传达更深层的心理状态。当代艺术“将观赏者变为读者”,把具象的事物变成画家独立思想的载体。同时,具象绘画并没有抹杀观念艺术的深入人心,艺术家思考的是如何体现当代的情感,并尽力地寻找属于自己的主题,画面有时并不能让我们明白画家的意图,需要文本的辅助,这应该是当代风景画最与众不同之处,也是当代艺术的共性之一。

  而现成品成为艺术品,消弭了大众与艺术的界线,语言、文字变成了艺术不可或缺的组成部分,艺术创作成为理性思维指导下的实践,思考更多体现了对文化、对社会批判的眼光,进入了与古典绘画不同的另一种“叙事”。艺术无法靠自身的图像与人沟通,这是否也是一个误区?艺术再也不是无国界的,因为语言文字是有国界的。对作品背后意义的挖掘和文字语言对艺术的支撑,引发了多方面的思考,也出现了一个新的词汇的产生和新的领域的发展——视觉文化研究。可以说,这是当代社会的产物,它强调视觉本身的重要性,但不排斥文本性——风景成为一种视觉符号。

  欧美艺术家驻地

  创作调查

  □ 杨 晨

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  美国Narrowsburg市的Mildred’s Lane艺术驻留项目内部空间

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  东京宫驻地管理团队在讨论

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  法国瓦西维埃艺术家极简工作室一景

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  法国瓦西维埃国际景观艺术中心驻地艺术家在交流

  Artist In Residence简称AIR艺术家驻地项目,它源起于自古以来人们对于创造的渴望,目的在于为艺术创作者提供一个工作的平台以及环境。随着近年来国际艺术的发展,艺术家驻地项目培养出越来越多才华横溢的艺术家,越来越被人们所津津乐道。它更像是一种慢节奏的交流与创作平台,不仅为艺术毕业生们提供离开学院的第一个跳板,也为年轻的艺术家们搭建与众多机构相遇的机会,同样为各种文化机构探讨学术带来新鲜的话题,更是一种灵活有效的和公众沟通的途径。

  意大利美第奇别墅中沉淀的罗马大奖、美国金融家所建立起的Yaddo艺术家社区、历久弥新的委拉斯凯兹之家以及国家扶持下的法国东京宫艺术中心,都在不同语境下体现着各个时代里艺术家驻地项目的不同特点,它们的运营与发展都与国家政策、资金来源以及场馆特点有着紧密的联系。传统意义上的美术馆与基金会、协会、艺术中心、画廊等机构的支持共同呈现了驻地艺术创作今天的样貌。它呼吁艺术家们拥有全球化的视野,致力于解决全球性的问题,丰富与世界文化的交流。在今天,我们欣喜地看到,艺术家们在驻地创作中可以更好地体会艺术创作的过程,也恰巧是这一点,创作的日常性才真正脱离宏大的愿望回归到生活本身。

  纽约苏荷艺术画廊区小史

  □ 章 锐

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  波普国际画廊外景

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  苏荷区的典型建筑

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  苏荷区的典型建筑

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  坎普顿画廊外景

  “苏荷”一词来自英语SOHO音译。SOHO为South of Houston Street(豪斯顿街以南)的缩写,指美国纽约曼哈顿的一个区域,面积为0.336平方英里,2008年常住人口为13310人。因特有的“铸铁建筑”被规划为“历史建筑保护区”。目前苏荷区商业机构共2951家,多为奢侈品店和零售业商铺,艺术机构只有137家。19世纪末,苏荷区因为靠近港口、同时附近有大量外国移民聚居而逐渐发展成为工业区。20世纪初期,在纽约市的城市“去工业化”与“士绅化”进程中,工场迁出后留下许多空置厂房。二战之后至上世纪60年代,随着抽象表现主义等浪潮在美国的兴起,纽约成为艺术中心,大批艺术家涌入。苏荷区的空置厂房成为他们工作和居住的最佳选择,随之而来的新生代画廊在这里出现。上世纪70年代,苏荷区虽然经历了因建设“曼哈顿高速路”而险些被拆的命运,但经过包括艺术家在内的各界市民的奋争,终于得以被保存,并被列为“历史建筑保护区”。此后,纽约资深画廊,例如卡斯特里画廊等纷纷在此开业,苏荷区逐渐成为画廊云集的艺术画廊区。上世纪80年代中期,由于艺术区的繁荣带来租金上涨导致画廊迁出,被奢侈品、高档餐饮等取代。上世纪90年代中期开始,苏荷区已经不以画廊为主要特色,而成为高档住宅区和商业区。

  美国艺术博物馆

  对外展览的策划与实施

  □ 郑 艳

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  罗德岛艺术学院博物馆的欧洲艺术展厅

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  波士顿艺术博物馆

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  “瑜伽——变化的艺术”展在旧金山亚洲艺术博物馆展出时的海报招贴

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  “瑜伽——变化的艺术”展在克利夫兰艺术博物馆开幕之夜举办的室外活动

  本次研修采用在美国13个城市的艺术博物馆进行实地考察与采访展览负责人、查阅展览档案、年报相结合的方式,对美国艺术博物馆的对外展览进行了较为深入地研究。在对美国公立、私立、大学艺术博物馆的对外展览进行分类论述的同时,选择每类中最有代表性的国家美术馆、大都会艺术博物馆和耶鲁大学美术馆作为个案,对其2000年以后的对外展览情况进行梳理、分析。大致得出这样的结论:隶属各级政府的公立博物馆多举办辅助国家文化外交的对外展览,也更容易获得美国国家人文基金会和艺术基金会等形式多样的资金支持;作为美国艺术博物馆主流的私立博物馆,其对外展览的开展形式多样,甚至产生了“古根海姆模式”这种将对外展览举办常态化的个案;尽管大学艺术博物馆的对外展览受到资金、场馆规模等因素的制约,但其在学术前瞻性和展览主题新颖性等方面的价值不容忽视。

  另外,官方的史密森博物学院巡展服务机构SITES、民间非营利机构AAM(美国博物馆联盟)、AFA(美国艺术联盟)、国际策展人学术组织IEO(国际展览组织)是推动美国博物馆对外展览的专业机构。笔者对美国艺术博物馆对外展览存在问题的思考以及它对我国博物馆开展对外展览工作的启示亦有论述。

2016年11月19日,“基弗在中国”北京展览在中央美术学院美术馆如期举行。这是首次在中国举办安塞姆·基弗艺术创作的大型展览,此次展出作品来自德国MAP收藏和路德维希科布伦茨博物馆的藏品,包括自20世纪80年代至今基弗创作的绘画、雕塑、装置、摄影作品共80余件,部分作品尺幅巨大,是基弗的代表性作品。

图片 41德国贝尔艺术中心创始人、德国汤若望科学与艺术基金会主席维里德里希·冯·莎尔伯爵致辞

安塞姆·基弗是德国新表现主义的主要代表,也是当代最重要的艺术家之一。德国新表现主义艺术风格始于20世纪60年代。它的兴起在现代主义行将结束之际延续了欧洲长久以来的绘画传统,一度在上世纪80年代掀起关于绘画的回归的讨论。它以德国表现主义为基础,关注当下的历史和现实,推动绘画语言的革新,打破了美国波普艺术、极简主义和抽象艺术占据主导地位的局面,成为当时西方艺术的主要形态之一。基弗的作品包括绘画、雕塑、装置、摄影等,但每一种类型又都超越其本身的固有形态。他的作品无论从体量上还是主题上,都具有史诗般的特质。在其中,他直面德国历史中曾经的黑暗,挖掘隐藏在集体回忆中的禁忌,并将它们与日耳曼式的神话、宇宙观以及对信仰本质的深入思考交织在一起。他拥有同时把握强烈情感因素与严肃主题的非凡能力。他的艺术创作为欧洲艺术的复兴做出了巨大贡献。基弗曾于1980年,与乔治·巴塞利玆一起,代表德国参加第39届威尼斯双年展。人们初次接触基弗的艺术,总会在瞬间被其强烈甚至是震撼的视觉效果紧紧抓住。他的作品中充满宏大、壮阔、凝重的空间场域,具有强大的视觉力量。除了尺幅庞大之外,这种力量,很大程度上来自于他的作品材料中对“物性”的借用、转换和表达。铅、钢铁、泥土、水泥、水、灰烬、感光乳剂、石头、柏油、塑料、树枝、干花、麦秆、纸片、照片等等,都参与到作品的建构之中。对此,基弗曾谈到,“我把绘画当作对材质的检验。”他又说,“我觉得在物质中存在着精神”“当我使用稻草或铅等物体时,我发现这些物体的精神,我提炼它们并展现它们”。然而,基弗并不止步于“视觉”的魅力,而是借由它,将人们的眼光引向共同历史的深处,也引向个体记忆的深处。基弗说过:“我很了解历史,所以当我看到风景的时候,我不只看到的是纯粹的景色,还有战争和历史的痕迹。所以风景对我来说不是纯粹的风景。”他的作品探讨战争、民族、集体意识、文化、神话与传奇等等问题,他以各种方式不断地去重新唤起人们对它们的反思,刺痛民族集体记忆的神经。曾有评论谈到,“他努力正视纳粹时期的恐怖及德国的历史、文化和神话,并且希望为德国理想主义疗伤,助其复兴”。安塞姆·基弗是首位获得“德国书业和平奖”的造型艺术家,这个旨在奖励全世界在文学、科学和艺术领域做出杰出贡献并致力于和平的人士的奖项的评委们一致认为,安塞姆·基弗是一位“迫使所在时代面对那令人不安的废墟般的、瞬间即逝的道德信息”的艺术家。安塞姆•基弗与中国当代艺术渊源很深,远在“85’新潮”如火如荼并开始转入理性及批判性思考的时候,基弗就被介绍到中国。1990年代初,基弗已在中国艺术界受到普遍关注。而1992年,基弗本人来到中国,逗留了3个来月,从北京到西安,进入新疆,走到丝绸之路南线,最后辗转到巴基斯坦和印度。此次展览由德国贝尔艺术中心与中央美术学院及其美术馆,清华美术学院,艺铭东方文化传媒及百家湖国际文化投资集团共同主办。除了作品的展示之外,此次展览还将开展研讨会、系列学术讲座、特别主题开放日等多种学术和公共教育活动,并出版展览画册和学术文论集。

[ 展览现场图 ]

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